投稿者: 京都コンサートホール

2011年にスタートした「関西の音楽大学オーケストラ・フェスティバル IN 京都コンサートホール」。今年で11回目を迎えます。そのほとんどの公演で指揮いただいている秋山和慶さんにインタビューを行いました。

――秋山先生にはこれまで、本フェスティバルの11回開催のうち、第5回をのぞく計10回にご出演いただきました。特に印象に残っている演奏会（プログラム）はありますか。

秋山和慶さん（以下敬称略）：これまで学生たちが真剣に取り組んでくれたので全て印象に残っています。特に大編成の曲は、普段それぞれの学校だけでは人数が足りず演奏ができなかったり、楽器によっては技術的に難しすぎるので、学生たちはみんなで演奏できたことを本当に喜んでくれました。演奏会が終わったときに、上手くいって涙している子どもたちを見ると、「やっていて良かったな」と毎回思います。

――やはりすべての公演がそれぞれ印象に残っていらっしゃるのですね。この公演では、関西の８つの大学から集まる合同オーケストラを束ねてくださっています。合同オーケストラならではの苦労した点をお聞かせいただけますか。

秋山：８つの大学が集まるとなると、それぞれ授業の時間が違ったり、集中講義があったりして、学生全員が練習になかなか揃わないのが一番ネックでした。また、台風などの天候が支障をきたしたこともありましたね。京都で練習と本番を行いますが、大阪・兵庫など遠くから参加している学生もいますから、学生がきちんと家まで帰れるか心配でした。

――そんな練習の苦労も乗り越え、この合同オーケストラでしか味わえない醍醐味もありますよね。

秋山：普段一緒に演奏することのない他大学のメンバー同士が、気持ちをそろえて一緒に演奏するためには、個人的な好き嫌い（気が合う合わないなど）を乗り越えて音楽に対峙しないといけません。今後、プロの世界に進む人や、多種多様な人たちと舞台を作っていくであろう彼らが、「一緒にひとつのものを作り上げる作業」を経験できるという意味で、とても意義のある公演だといつも感じています。

――参加する学生達も、とても良い経験ができていると思います。
そんな中、2年前に起きたコロナのパンデミックにより、それまでとは本当にいろいろな事が変わってしまいました。秋山先生ご自身は、コロナの前後で、学生に対する教え方について変化はありましたか。

秋山：教え方に変化はありませんが、これまでほとんどなかった「オンラインで教える」機会が増えました。オンラインは確かに便利なのですが、機器を通して聴く音は実際の生の音とは違うため、指導の仕方が難しいですね。実際指導を受ける側の学生たちも同じように感じているようです。分奏もやってみましたが、電気的な時差が生じて、指揮者に合わせるのはほとんど不可能でした（苦笑）。

――これまでとは違ったご苦労もあるでしょうね。
さて、ちょうど2年前、ベートーヴェンの生誕250年と公演開催から10年を迎えたこともあり、ベートーヴェンの交響曲第九番を取り上げる予定でしたが、コロナによって、公演が中止になってしまいました。昨年は、まだ合唱曲を取り上げるのが難しかったため、第九ではなくオーケストラ曲2曲をプログラミングし、なんとか開催に至りました。実際に開催できた時のお気持ちをお聞かせいただけますでしょうか。

秋山：中止は仕方がありませんでしたが、大事な10回という記念の回に合唱が演奏できないばかりか、公演自体を中止せざるをえなかったというのは非常に残念でした。翌年は、合唱がなく、かつ大編成ではない曲の中から選曲し、感染症対策を講じながらの練習は大変でしたが、無事実施ができて本当によかったです。

――今年のプログラムも、昨年に引き続きオーケストラのためのクラシック音楽の王道と言える名作2曲（ベートーヴェン：交響曲第5番、チャイコフスキー：交響曲第5番）を取り上げますが、演奏を通して、秋山先生が今音楽を学ぶ学生たちにあらためて伝えたい事を教えていただけますか。

秋山：学生たちに技術的な面できちんと勉強できるチャンスを作ってあげられたらという意図で、実行委員会の皆さんと一緒に選んだ2曲です。学生たちにとって聴き慣れた、馴染みのある曲でもあります。特に、ベートーヴェンの交響曲はオーケストラ奏者にとっては基本中の基本の曲です。一方のチャイコフスキーの交響曲は、思い切り活発に演奏できる曲ですし、ロマンティックなロシア流の表情のつけ方も学んでほしいですね。限られた練習時間で、周りのメンバーに合わせて演奏するという大切なところをこの機会に経験してほしいと思います。

――今から公演が楽しみです。コンサートにお越しになるお客様にメッセージをお願いします。

秋山：若々しいエネルギーをつぎ込んで、真剣に、音楽を大事にしっかりと表現しようとしている姿勢を見て、聴いていただきたいです。ベートーヴェンでは彼らしい力強さを感じられるでしょうし、チャイコフスキーでは、きれいなメロディーがたくさん出てくるので、音楽の流れに身を浸してリラックスして楽しんでください。

――それでは最後に参加する学生たちにもメッセージをお願いいたします。

秋山：音楽をやっていてよかったと思える瞬間がきっとあるはずです。音楽で辛いことや悲しいことを乗り越えられるかもしれないし、いい音楽をみんなと一緒に作れたときの喜びは何にも代えがたいものがあると思います。音楽そのものに奉仕する経験をしてみるのも大事かもしれませんね。

――お忙しい中、インタビューにお答えいただきありがとうございました。演奏会を楽しみにしております！

公演は2022年9月19日（月・祝）京都コンサートホール 大ホールで15時開演です。
公演情報

――この度はインタビューのお時間をいただき、ありがとうございます。
京都コンサートホールには、2019年5月のリサイタル以来、３年ぶりの登場となります。京都コンサートホールにどのような印象を抱かれましたか？

エリック・ル・サージュさん（以下敬称略）：2019年に私が演奏したのはアンサンブルホールムラタでしたが、ピアノや室内楽にとって恵まれた音響を持つホールで、とても自然な響きだったことを覚えています。

――今回ご出演いただくのは、セザール・フランクの生誕200周年を記念した特別公演です。ル・サージュさんが思うフランクの魅力を教えてください。

ル・サージュ：フランクの作品を演奏するのは大好きです。彼の曲には音域の広い和音がたくさん出てくるのですが、私の手は大きいですから、演奏するのにぴったりなのです。
フランクの音楽を一言で言うと「独特で表現力豊か」。荘厳な和音やたっぷりとした息の長いフレーズ、そして深慮に満ちた色彩感が特徴です。
また、フランク作品の大きな特徴の一つとも言えるのが、循環形式（同じテーマを別の楽章で繰り返し使う技法）ですね。同じフレーズを同じ曲の中で何度も使うのですが、そのたびに様々な方法で変奏しながら旋律を引き立たたせ、聴き手を惹きつけます。
特に今回演奏する《ピアノ五重奏曲》では、そのような技法がたくさん出てきます。まるで、物語がどんどん展開していくアクション映画やサスペンス映画を観ているようですよ。
フランクの音楽が時代を超えて人々に愛されている理由は、きっとこのようなところではないでしょうか。

――今回は室内楽作品だけでなくピアノ独奏曲もご披露いただきます。フランクのピアノ作品はどのような特徴がみられますか。

ル・サージュ：フランクのピアノ音楽はとても内向的です。対位法が使われていたり、オルガン作品で使われるような書法がピアノでも使われていたり、フランクならではの特徴がたくさん出てきます。
また、彼はベルギー出身ということもあり、フランスとドイツの要素がバランスよく取り入れられていることも特徴的ですね。

今回は《前奏曲、フーガと変奏曲》から〈前奏曲〉を抜粋して演奏します。
今シーズン、オリヴィエ・ラトリー（フランスのオルガン奏者）が演奏するオルガンやハーモニウムと一緒に、この曲を何度か演奏しましたが、思慮深く、レトリックに満ちた非常に美しい作品だなと思います。

またこの〈前奏曲〉を含めた、20世紀初頭のフランスの作曲家たち24人の小品を集めたアルバムを今秋にリリースする予定です。

――日本では他の作曲家と比べるとフランクはあまり知られていませんが、フランスではどうでしょうか。

ル・サージュ：フランスでも状況はあまり変わりませんよ。「ヴァイオリン・ソナタ」や「交響曲」「ピアノ五重奏曲」「前奏曲、フーガと変奏曲」といった有名な作品しか演奏されていません。いずれも傑作だから、何度も繰り返し演奏されるのです。他にも美しい曲はありますが、傑作とまではいえないので、あまり演奏されないのだと思います。

――フランスも似たような状況なのですね。ちなみにフランクの生誕200周年を記念したイベントは、フランスで行われていますか？

ル・サージュ：具体的に「フランク・フェスティバル」といったものはないと思いますが、演奏される機会は例年よりも確実に増えていると思います。私も先月（6月）、《ヴァイオリン・ソナタ》と《ピアノ五重奏曲》を２回演奏しました。

――ル・サージュさんにとってフランクはどのような存在でしょうか。

ル・サージュ：フランクの作品を勉強したことで、フォーレやシューマンの作品を弾く際の参考になり、レパートリーの幅が広がりました。
また、フランクの《ヴァイオリン・ソナタ》は、おそらく私が初めて勉強した室内楽の大作で、パリ音楽院の室内楽クラスにいた15歳の時に弾きました。
私の音楽院時代の先生であるピアニスト ジャン・ユボー先生による赤字と青字の注意書きがたくさん書かれた楽譜を今でも持っています。その楽譜がボロボロになってきたので、大好きな日本の“金継ぎ”のやり方で、修復してみたいと思っています。

――今回の演奏会ではフランクの3曲に加え、フォーレの夜想曲を選曲されましたが、なぜフォーレを選ばれたのですか。

ル・サージュ：フォーレはフランクの対位法に影響を受けています。フランクに対する「オマージュ」ということで、フォーレの作品を選びました。
また、《ヴァイオリン・ソナタ》と《ピアノ五重奏曲》という動きのある大曲に対してバランスを取るため、静かで短めの作品である、フォーレの《夜想曲》２曲とフランクの〈前奏曲〉を選びました。

――では最後に公演を楽しみにしてくださっているお客さまへメッセージをお願いいたします。

――お忙しい中インタビューにお答えいただき、ありがとうございました。10月の公演を今からとても楽しみに京都でお待ちしております。

（2022年6月都内某所　事業企画課インタビュー）

★「神に愛された作曲家 セザール・フランク——フランク生誕200周年記念公演——」の公演情報はこちら

『KCH的クラシック音楽のススメ』は、クラシック音楽を幅広い世代の皆様にお楽しみいただけるコンサート・シリーズです。今回ご出演いただく「東京六人組」のメンバーにメールインタビューを行いましたので、是非お読みください！

――「東京六人組」グループ名の由来を教えてください。

我々は主に東京で活動している六人ということで、20世紀前半にフランスで活躍した「フランス六人組」（デュレ、オネゲル、ミヨー、タイユフェール、プーランク、オーリック）に掛けました。
グループ名を決めていた時に、終電間近までなかなか決めることができず困っていたのですが、別れ際に東京駅の改札口で、みんなで｢東京は？｣｢六人組は？｣という意見が奇跡的に一致して「東京六人組」になりました。

――クラシック音楽をまだあまり聞いたことのない学生さんやお客様に、「東京六人組」の魅力や、各楽器の注目のポイントを教えていただけますか？

私たち「東京六人組」は、5つの管楽器(フルート、オーボエ、クラリネット、ホルン、ファゴット)とピアノという6人で編成したグループです。弦楽器のアンサンブルと違って、それぞれが違う原理で音を出すのが特徴です。空気、リード、唇、打弦などによって生まれた各音色が合わさると、無限のパレットに…！そんな音色感や、まるで会話をしているようなアンサンブルの魅力を感じていただければと思います。
繊細な表現から迫力あるサウンドまで、京都コンサートホールの素晴らしい音響の中で、皆様に存分にお楽しみいただけることを願っています。

――各メンバーの紹介をリレー方式でしていただけますか。

①上野由恵さん（フルート）から見た「福川伸陽さん（ホルン）」

「ホルン奏者」という枠を超えて、真の音楽家であり続ける人。絶対的なカリスマ性と共に、彼の人柄や音楽には嘘や取り繕ったところが全くなく、仲間たちから絶大な信頼を集めています。クールっぽく見えて、楽しいときは少年のような笑顔で大笑いするところも魅力的です。

②福川伸陽さん（ホルン）から見た「金子平さん（クラリネット）」　

芸術家とは彼のような人のことを言うのだろうなと言うくらい、楽器で演奏した方が自身の言葉より人になんでも伝えられる、隣で演奏してて最高な人。

③金子平さん（クラリネット）からみた「荒絵理子さん（オーボエ）」

CDでは、オーボエの他に打楽器を担当するマルチな才能の持ち主で、演奏はとても情熱的です。新しいことにどんどんチャレンジする前向きな性格だと思います。

④荒絵理子さん（オーボエ）からみた「福士マリ子さん（ファゴット）」

とにかく品格があります。おしとやかに見えて、真面目に見えると思いますがその通りで、育ちの良さに溢れています。どんな時も1歩下がって状況を判断しながら、相手に嫌な思いをさせない話し方、行動をされています。ファゴット演奏もそうであり、でもいざというときにファゴットという楽器の良さを全面的にアピールできる方です。このような方はこの音楽業界であまり見かけません。

⑤福士マリ子さん（ファゴット）から見た「三浦友理枝さん（ピアノ）」　

アンサンブルではいつも冷静＆的確にバランスを取って下さいます。知的な演奏をされますがお話しすると気さくで面白くて、ギャップが素敵だなぁと思います。

⑥三浦友理枝さん（ピアノ）からみた「上野由恵さん（フルート）」　

何事にも全力で取り組む努力家であると同時に、ダジャレをこよなく愛し、常に新ネタ開拓に余念がないオモロい一面も持ち合わせています。

――今回の京都公演のプログラムはどのように決まったのですか？また今回のプログラムの聴きどころを教えてください。

 今回、京都（関西）へは初めて六人組として伺いますので、私たちの名刺がわりになるようなプログラムにしようと考えました。
まず、この編成のオリジナル曲として最も重要なレパートリーであるプーランクの六重奏曲。
そして、私たちの活動の特徴である、フルオーケストラの曲を6人で演奏するというチャレンジをしました。「魔法使いの弟子」や、「ラ・ヴァルス」は、私たちのために新たに編曲して頂いたものです。
また、磯部周平さんの「きらきら星変装曲」は、この編成のオリジナル曲です。おなじみのきらきら星のメロディーが、古今様々な作曲家の様式に「変装」して次々に現れます。是非、どの作曲家風なのか推理しながらお聴きいただければと思います。

――お忙しい中、メンバーの皆様、インタビューにお答えいただきありがとうございました。

公演は7月23日（土）アンサンブルホールムラタで14時開演です。

「東京六人組」の素敵な演奏とトークをご期待ください。

京都コンサートホール主催のランチタイム・コンサート「京都北山マチネ・シリーズ」。国内外で活躍する音楽家たちが、トークと演奏で素敵なマチネのひとときをお届けします。9回目は、ソプラノとリュートのデュオ、VOX POETICA（ヴォクス・ポエティカ）が登場。ソプラノ歌手の佐藤裕希恵さん、リュート奏者の瀧井レオナルドさんにお話を伺いました。ぜひ最後までご覧ください！

――この度はインタビューの機会をいただき、ありがとうございます。本日は、おふたりそれぞれとデュオについて、そして今回のコンサートについてお伺いさせてください。
まず佐藤さんですが、もともと声楽を始められたきっかけがミュージカルだったのですよね。東京藝術大学の声楽科へ入学された後、さらに古楽の道へ進まれたきっかけをお聞かせください。

佐藤裕希恵さん（以下敬称略）：最初は古楽が好きで声楽を始めたわけではありませんでした。大学へ進学すると周りは“オペラ歌手になりたい”など、夢がはっきりしている方が多かったのですが、私の場合はただミュージカルが好きで入学したところがあったので、自分の将来を模索していました。興味のあるもの、自分の声に合うもの、向いているものを探しているうちに、先生からヘンデルなどの古い時代の曲を勧められるようになり、その魅力に惹き付けられるようになりました。歌ったり、CDを聴いたりしているうちに、どんどん沼にハマっていき、大学院は古楽科に進学しました。

――大学院で古楽科に進まれた後は、スイス留学にされましたね。
佐藤：大学院に進んでからも、実は外部団体でミュージカルを続けていました。古楽の道へ進むのか、ミュージカルの道へ進むのかで悩んでいた時、バッハ・コレギウム・ジャパンなどでも歌っていらっしゃったバーゼル音楽院のゲルト・テュルクさんというドイツ人の先生が、古楽科の招聘教授として大学に来てくださったのです。そのレッスンがとても面白く、これまでに体験したことのない知らない世界がたくさん見えました。先生が帰られる時、「もっと先生と勉強したかったです」とお伝えすると（当時は言える英語力もなく、友達に通訳してもらって。笑）、「バーゼル音楽院に来たら教えてあげるよ」と言ってくださいました。それまで留学は全く考えていなかったのですが、とにかく先生と勉強したいという思いで、他の国や大学の下調べもせずに、ただただゲルト先生のもとで学ぶためにスイスのバーゼル音楽院を受験しました。

――ゲルト先生との強いご縁を感じるようなエピソードですね。バーゼル音楽院で古楽の勉強をされ、いまはルネサンスからバロックまでさまざまな古い時代の歌を歌ってらっしゃいますが、それぞれの時代で歌い方に違いはありますか？
佐藤： そうですね、まずどんな響きの場所で、誰に向かって、どんな環境で演奏される音楽かによって求められる歌い方が違いますね。極端な例ですが、マイクを使うミュージカルと使わないオペラでは響かせ方が違いますし、劇場でヘンデルのバロックオペラを歌う時と、残響が10秒もあるような大聖堂でグレゴリオ聖歌を歌うのだと、歌い方は違います。身体を支えている芯の部分は同じなのですが、どれほど身体を開くか、どのくらい多くエネルギーを放出するか、流す息の絞り具合などで歌い方を変えています。

――古楽独特の歌い方はあるのですか？
佐藤：ヴィブラートをかけるかどうか聞かれたりしますが、いわゆるオペラ的なベルカントの歌唱法はヘンデルの時代に確立していったものです。それ以前の17世紀初期のバロック時代が始まった頃の歌唱法は、例えばイタリアの場合、一種の装飾音として隣の音をヴィブラートのように揺らす方法がありました。また、「トリッロ」と呼ばれたいわゆるトリルは、音程を変えずに同音の音を連続して演奏します。このように、現代では馴染みのない歌唱法が登場するのです。こういった装飾音が装飾として際立つように歌うためには、ヴィブラートを控えめにしたほうが美しくなる箇所もあります。また当時の文献を読んで、当時の歌い方がどう描かれているか、という研究もしています。実際に当時の様子を見ていないので、分からないところもありますが。

――文献には、発声方法等について詳しく書かれているのですか？
佐藤：そうですね。とても有名なものですと、ジュリオ・カッチーニという作曲家の曲集の序文に、「こうやって歌わねばならん」ということが書かれています。ただ音声学的に声帯をこうして、というアプローチではなく「喉を打ち鳴らす」というような表現で書かれているので、解釈は人それぞれです。また譜例もたくさんあり、「こういう音の時はこういう即興の装飾をつけなさい」などと書いてあるのも面白いです。当時の歌手がどのように歌っていたか分からないので、結局のところ確信をもって「絶対こうだった」と言えないところが古楽の魅力だと思います。

――佐藤さんは、まるで語るように歌ってらっしゃる姿がとても印象的ですが、もともとミュージカルをやっていたことが活きているのでしょうか。
佐藤：そうですね。バロックの声楽作品は言葉を重視する音楽なので、単に朗々といい声を聴かせるというよりは、言葉に色々な重きを置いて曲が書かれています。語るように歌ったり、ドラマティックに明暗をはっきりつける表現をよく使うのですが、自分の感情をそのままセリフにのせるお芝居と繋がっていると思います。私が古楽に惹かれたのも、私の大好きな芝居に通ずるところが少し見出せたからです。自分なりの色付けができるといいますか、演奏者に委ねられている余白がたくさんあるのです。即興演奏をするにしても、楽譜に書かれていないことが求められる音楽なので、自分が感じたままに表現していいという、芝居的な要素が好きですね。

――これまで苦労された点はありますか。
佐藤：私の声が軽くて細い方だったので、オペラの方々と混じって勉強していた時に、一時期コンプレックスを感じていたことはありました。例えばヴェルディのように、重めで声量の必要な役など大きなアリアは歌えないなどと思っていたことがありましたが、古楽は自分の声が活かせる場所なので、居心地がよいです。声のトレーニングとしてオペラは勉強していますが、やはり古楽が私の進むべき道だと思っています。

――ありがとうございました。次は、瀧井さんにお話を伺います。瀧井さんは故郷がブラジルなのですよね。クラシックギターを学ばれた後、リュートを始められたきっかけを教えてください。
瀧井レオナルドさん（以下敬称略）：サンパウロの大学でクラシックギターを学んでいる時、リコーダー奏者の友人に、ギターで通奏低音を弾いてくれないかといつも頼まれていました。リコーダーのレパートリーはバロック時代がメインなので、通奏低音に触れる機会となりました。そして大学2年の時、サンパウロ州立音楽学院に新しく古楽科ができて、その友人に「これからリュートの勉強できるよ！」と勧められたのがきっかけです。当時はギタリストになりたいと思っていたのですが、リュートにも興味があったので、せっかくだから行ってみようと思い、リュートの勉強を始めました。

――今回の公演では、リュートとテオルボをご披露いただきますが、あらためてそれぞれの楽器の魅力について教えてください。
瀧井：まずテオルボは、見た目がすごく目立つ楽器ですよね。サイズも大きいですし、音も大きいです。リュートは、見た目も小さいですし、音も小さく、とても繊細な音がします。クラシックギターは弾く時に爪を使って演奏しますが、リュートやテオルボは爪でなく指の腹で弾きますので、自分で音を創り出している感じがとても好きですね。大学を卒業した時に、リュートの道を選び、ギターのために伸ばしていた爪を切りました。

――クラシックギターとリュートでは、タッチの感覚も全く異なりますか？
瀧井：全然違いますね。ギターは1本ずつ弦が張られていますが、リュートは2本ずつです。ギターのタッチは固いですが、リュートの場合は柔らかいです。
佐藤：複弦といって、リュートは1コースに同じ音の弦が2本張られていて、それを2本同時に指の腹で押さえるのです。実は興味本位で１年ほど彼にリュートを教えてもらったことがあるのですが、なかなか2本同時に押さえられませんでした。それでみなさん速弾きされているので、本当にすごいなと思います。

――とても難しそうですね。クラシックギターとは違うリュートの音色の魅力はどのようなところでしょうか。
瀧井：ギターとは楽器の形も弦の張り方も違うので、全く違う音が出ます。僕自身リュートの音は本当に好きなのですが、どうやって説明すればよいのか…難しいです（笑）。　大きな音ではないですが、とても豊かで繊細な音がリュートの魅力だと思います。

――瀧井さんも大学卒業後、スイスに留学されたのですよね。
瀧井：大学を卒業した後、将来についてリュートの先生に相談すると、古楽を続けたいのであればバーゼルに素晴らしい先生がいると教えてもらいました。その時、全く留学を考えていなかったので迷ったのですが、ブラジルの先生が「一緒に頑張ろう！」と仰ってくださったので、留学を決意しました。やはり先生の存在が本当に大きく、ありがたかったです。

――その後、留学先のスイスでお２人は出会われたのですよね。VOX POETICA結成と音楽活動を続けるに至った経緯を教えてください。
佐藤：バーゼルでは、アンサンブルを立ち上げるぞ！という意気込みでメンバーを集める人が多かったのですが、私たちの場合は、瀧井さんの学内試験でたまたまデュオを組んだのが結成のきっかけです。その後、何度か演奏機会をいただくことがあり、細々と活動していました。最初の数年は、演奏の機会があれば…と全く気負わず続けていたので、その時は後々CDを出すことになるとは思ってもいませんでした。でもそれが、逆に良かったのかもしれません。だんだん演奏機会が増え、レパートリーも増やし、日本に来てからは、本腰を入れてデュオ活動をするようになりました。

――「VOX　POETICA」＝“詩的な声”とはとても素敵な名前ですが、どのように決められたのですか？
佐藤：最初は特にデュオ名を決めていなかったのですが、 6、7年前に名前をつけようとなりました。私たちは言葉を使うので、それに関係するキーワードがいいなあと考えていました。たまたまアリストテレスの「詩学」という本を読んでいた時、そのなかに出てきた古代ギリシャ語の“ポエーティケー”という単語にすごく惹かれたのです。歌詞を扱うので、文学としての「詩」、「詩的」な表現へのイメージから、この単語を使いたいと考えました。「ポエーティケー」は「作ること」を意味する語幹から生まれた単語だそうで、私たちの表現の創作活動のアイデンティティに据えたいと思い、ラテン語の“POETICA”に「声」という意味の“VOX”を付けました。英語やイタリア語にすると、その国のレパートリーに限られてしまう気がして、ラテン語にしました。VOX POETICAはリュートと声、どちらの声部も詩的に独立し、互いに息づいているものが混ざり合って、ふたりでひとつの音楽を創ることをいつも目標にしています。悩みに悩み抜いて、この名前となりました。

――素敵ですね。日本での活動を始められてから、コンサートだけでなく「フェルメール展」や「ほぼ日手帳」とのコラボなど他分野でご活動なさっていますが、今後の展望などはありますか？
佐藤：リュートと歌のレパートリーはたくさんあるのですが、日本にリュート奏者や指導者が少ないので、リュートに触れて一緒に歌うワークショップ等もしていきたいと思っています。また、録音で、その時その時にできるものを残していきたいなという思いがあります。「今後こんなCDを録りたい」という作品が、もう紙からはみでるくらいたくさんあるので、死ぬまでにやりたいと思います（笑）！

――たくさんの曲がリリースされるのをいまから心待ちにしています！では最後に、今回のコンサートのプログラムについてお聞かせください。
佐藤：今回は、リュートとテオルボの2台を使います。普段は、どちらか1台しか使わないことが多いのですが、せっかくなので聴き比べができるような内容にしました。前半のプログラムではリュートとソプラノで、エリザベス女王時代のイギリスにフィーチャーしました。その中でも特に、シェイクスピアとダウランドの2大巨匠にフォーカスを当て、その時代の英語の歌とリュートのソロを聴いていただく予定です。リュートの繊細な音とそれに寄り添うソプラノにご注目ください。後半のプログラムではイタリアとフランスをテーマに、テオルボとソプラノのデュオでお聴きいただく予定です。
瀧井：前半にお聴きいただくシェイクスピアの時代、リュートは大変人気のある楽器で、シェイクスピアの作品が上演された時も劇音楽で活躍したようです。ダウランドのリュートソングに代表されるような、イギリスの美しい作品をお聴きいただきます。後半では、大きなテオルボに持ち替えて演奏しますが、ドラマティックなデュオに加えて、テオルボのソロではロベール・ド・ヴィゼーの《シャコンヌ》という大曲を演奏します。ちなみにド・ヴィゼーは、太陽王ルイ14世のギター教師でもあった人です。
佐藤：また、前半では、シェイクスピア『オテロ』から、セリフと歌を続けてやってみようかなと考えています。デスデモーナというヒロインの女性が無実の浮気を疑われるのですが、夫であるオテロに殺される前に胸騒ぎがして、ひとりで独白をしながら歌を歌うシーンです。リュートが入ってもいいのですけれど、今回はアカペラでやろうかなと考えています。シェイクスピアが生きていた時代のイギリスのお芝居の要素も垣間見ていただけるかもしれません！
後半は、表情がコロコロ変わるドラマティックな音楽を演奏しますので、古い時代の音楽だからとあまり難しく捉えずに聴いていただきたいです。現代の私たちが感じている喜怒哀楽と同じようなものが曲に表れているので、それを感じていただければ嬉しいなと思います。

――この度は、貴重なお時間ありがとうございました！演奏会をとても楽しみにしています。
（聞き手：京都コンサートホール 事業企画課 陶器美帆）

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公演カレンダー | 京都コンサートホール (kyotoconcerthall.org)