カテゴリー: インタビュー

関西の音楽大学・芸術大学８校の学生が一堂に集い、大学の垣根を越えてオーケストラの演奏をお届けする年１回のフェスティバル「関西の音楽大学オーケストラ・フェスティバル IN 京都コンサートホール」。2011年に開始し、今年で15回目を迎えます。

今年の指揮者は、このフェスティバルの参加大学である京都市立芸術大学（以下、京芸）を卒業し、現在は母校の教授を務めている阪哲朗先生。参加学生にとっては大先輩にあたります。

公演を前に、阪先生にさまざまなお話を伺いました。ぜひご覧ください！

 

――指揮者への道

阪先生、本日はお時間をいただきありがとうございます。今年のフェスティバル、 どうぞよろしくお願いいたします！
はじめに 、阪先生が「指揮者になりたい」と思われたきっかけを教えていただけますか？

指揮者を初めて意識したのは高校生の時です。もともと野球部と合唱部を兼部していて。指を怪我してボールを投げられない時期があり、ちょうどその頃、合唱部の顧問の先生から「あんた、指揮やって」と勧められたのがきっかけでした。

指揮者が何をしなければいけないのかも、よく分かっていませんでしたね。みんなをまとめる人くらいの認識で。ただ、もともとスポーツでも団体競技が好きでしたので、音楽でも合唱やオーケストラのように 「みんなで一つのものをつくる」というところに魅力を感じたのだと思います。

 

高校何年生の時でしょうか ？

２年生の時です。ちょうど進路選択の時期でしたが、得意だった音楽か体育での二択でした（笑）。ピアノは４歳から習っていたこともあり、やはり好きな音楽の道を選びました。

ただ、ピアノの先生からは大反対されましたね。「あなたを音楽家にするためにピアノを教えていたのではないし、音大に行くならツェルニーやエチュードもやらなきゃいけなかったのに・・・」と言われました。先生としては、「この子は趣味として音楽を続けていけたらいいな」というお考えだったのでしょう。

 

合唱部に入られた理由は何ですか ？

もともと歌うことが好きだったのです。学校の行き帰りも歌っていたくらいで。
先輩の強い勧誘があった、というのもありますね。

 

指揮者を目指す中で、京芸の作曲専修を選ばれた理由を教えてください。

当時、京都教育大学で作曲を教えておられた藤島昌壽（ふじしま・まさひさ）先生が、合唱部の一年上の先輩のお父様で、先生に指揮者になりたいと相談したところ、「指揮をするなら作曲を学ばないと」と助言をいただいたのが、作曲専修を選んだ理由です。

また、藤島先生は京芸の非常勤講師もされていて「京芸では和声や対位法も入学後もしっかり見てくれるし、廣瀬量平先生^＊が作曲を教えられているから、京芸がいいよ」ともご指南いただきました。廣瀬先生といえば当時合唱部で毎日のように先生の曲を歌っていましたし、「その方から学べるのであれば」と導かれるように京芸に進学しました。

^＊廣瀬量平 （1930-2008）： 作曲家。京都市立芸術大学名誉教授。1977年から1996年まで京芸の教授を務めた。2005 年から2008年までは京都コンサートホール館長を務めた。戦後の日本における音楽教育と音楽文化の発展に大きく貢献したひとり。作品は国内外で高く評価されている。

 

学生時代は、作曲を学びながらも指揮活動をたくさんされていたようですね。

学生時代は、指揮をしていることは先生方には隠していました。破門されるんじゃないかと思って。ただ芸祭（京芸の学園祭のこと ）ミュージカルや四芸祭^＊などで指揮をする機会が次第に増えてきて、「あいつは指揮ばかりしている」と廣瀬先生にも知られるようになりました。

そんなある日、廣瀬先生から「君は作曲で卒業させることにしたから」と言われたのです。もちろん私は作曲専修で卒業するつもりだったのですが、廣瀬先生は破門にするどころか私の将来のことを考えてくださっていました。このまま作曲科か、あるいは指揮科に転科させて指揮科で卒業させるべきかと、指揮科の先生らと相談までしてくださっていたんだと聞かされ、本当に驚き、心から感謝したものでした。

^＊四芸祭：京都市立芸術大学、東京藝術大学、愛知県立芸術大学、金沢美術工芸大学の国公立系芸術大学4校によって毎年
行われていた、芸術文化の交流を目的としたイベント。現在は沖縄芸術大学が加わり五芸祭として開催している。

 

――指揮者、そして教育者として

京芸を卒業後、留学されウィーンで指揮を学ばれ、指揮者としてのキャリアを築かれていきました。現在は指揮者として活動される一方、母校の京芸でも教鞭を執られていますが、「舞台に立つこと」と「学生を教えること」には、どのような違いがありますか ？

プロの現場で共演する相手は、すでに音楽家として活動している人たちです。一方、大学で関わるのは、これから音楽家へと成長していく学生で、その過程を支える役割があります。

音楽大学には、楽器の演奏技術に優れた学生が集まってきます。しかし、さらに大切なのは、自分自身の楽器や専門分野を越えて、異なる楽器・異なる専攻の人たちとどのように音楽を創り上げていくかということです。そのためには、音楽における共通言語を見つける訓練が必要になります。

例えば、指揮者の場合は楽器を演奏するわけではありませんので、すべての音楽家と共有できる音楽言語を通して、コミュニケーションを取らなければなりません。 理論と演奏 、その間をつなぎながら音楽家を育てていくことが私の役割だと思っています。

音楽の世界に限らず、練習にはよく「質」と「量」があると言われます。日頃から同じことを漫然と繰り返すいわば「量」のみの練習をするのではなく、昨日の自分より今日の自分、今日より明日と、試行錯誤を重ね自分に課題を課しながら進んでいく・・・「質」を伴った練習の積み重ねを経て、やがてプロの音楽家になっていくのでしょう。

 

「教える」という仕事も 、阪先生にとって、指揮者として大切な活動のひとつなのですか？

そうですね。人に物を教えるためには自分が分かっていないといけませんし、きちんと言語化する必要もあります。人を育てて一人前という言葉もありますしね。

そして私は常々、京芸で育ててもらったのでその恩返しができたらなと思っています。それと同時に、自分がこれまで国内外で経験し、先生・先輩方からいただいた事を次の世代へ伝えていくことも、自分の役割だと考えています。母校の学生に限らず、多くの学生、次の世代に伝えていくことも大切です。

 

――関西の音楽大学オーケストラ・フェスティバルについて

このフェスティバルは、関西の音楽大学・芸術大学８校の学生が一堂に集まる 、年に一度の機会です 。学生たちにとって、どんな影響があると思いますか？

学校の中だけでは得られない刺激があると思います。８つの大学の学生が集まりますので、いい意味でのプライドや責任感、自身の大学に対しての誇りも生まれますし、同世代の学生がどんな演奏をしているのかを知ることもできます。

私が学生だった頃は、このような交流機会は四芸祭くらいでした。東京藝術大学の学生オペラを観て大きな刺激を受けた私は、その後、京芸でも学生オペラに取り組むようになりました。

このような出会いや刺激は、その後の音楽活動にも大きな影響を与えてくれるものだと思います。

 

このフェスティバルで、学生たちにどんなことを経験してほしいですか ？

実は私自身は《ラ・ヴァルス》以外は日本で初めて指揮をする作品ばかりです。私にとっても新しい挑戦ですし、学生たちにとっても、きっとこれまでとは違う音楽の考え方に触れる良い機会になると思います。

フランスの音楽は和声の色彩感、各楽器のソロらしさ、またそれに伴う細かなニュアンスなどが魅力ではないでしょうか。例えば音が多いパッセージで全ての音を同じように並べてしまうと、結果的に単に音数が多いだけの音楽になってしまいます。言葉で説明するのは難しいですが「ここは雰囲気として感じてもらえばいいのか」「ここははっきり聴かせるべきなのか」というような判断が重要になります。そうした選択や感覚を、今回の経験を通して感じ取って欲しいと考えています。

 

プログラミングの意図や作品の聴きどころを教えてください。

今回は、学生たちが卒業後も演奏する機会の多い代表的なフランス作品を選びました。今回取り上げるドビュッシーの作品には、まだワーグナーの影響が色濃く残っています。そして、そのドビュッシーがいなければラヴェルは作曲家として世には出て来なかったかもしれないと言えるほど、ドビュッシーとラヴェルのつながりは大きなものがあります。

ドビュッシーは音楽だけでなく、その生き方も非常に個性的で型破りなところがあり、感性や芸術性を強く感じさせる作曲家です。一方、ラヴェルは職人的な作曲家で、模倣や仕掛けを巧みに使いながら、聴き手を驚かせるような音楽を創り上げています。よくセットで語られる２人ですが、個性の違いを感じていただけると思います。

 

コンサートを楽しみにしているお客様 、そして共演する学生へメッセージをお願いします。

フランス音楽は、ドイツ音楽（例えばソナタ形式）のような構築、論理的なものを重視するというよりも、もっと直接的に感覚へ訴えてくる部分があります。フランス印象派の絵画のように、見る者の想像力をいかに働かせるかのような独特な味わいがあります。

フランスに行ったことがある方なら、スーパーに並ぶ野菜の瑞々しい色鮮やかさをご存じかもしれません。ドイツとは違う原色、発色が鮮やかで輝きのある世界です。
涼しげな水辺のような表現、日の出のような自然現象の描写、または人間の生命の根源的なエネルギーに満ちた祭りなど、様々な魅力を感じていただけら、と思います。

共演する学生たちには、若い世代だからこそ持っているピュアな感性や爆発的なエネルギーを、そのまま音楽の色彩や感覚として存分に表現してほしいですね。彼らの持つ素晴らしい演奏技術だけではなく、自分たちの感性で感じ取ったものを飾ることなく、音楽としてお客様に届けられることを期待しています。

 

ありがとうございました 。
阪先生が学生たちと繰り広げる、フランス音楽の数々を楽しみにしています！
本日はお 時間をいただきありがとうございました。
今年のフェスティバル、どうぞよろしくお願いいたします！

 

（2026年7月 京都コンサートホールにて　事業企画課インタビュー）

 

★「第15回関西の音楽大学オーケストラ・フェスティバル IN 京都コンサートホール」の詳細はこちら

 

京都コンサートホールが誇る国内最大級のパイプオルガンをお楽しみいただける人気シリーズ「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズ」。2026年2月28日に開催するVol.77は、スイス出身のオルガニスト イヴ・レヒシュタイナー氏にご出演いただきます。

フランスを拠点に活躍するレヒシュタイナー氏に、オルガンの魅力や今回のプログラムに関すること、そして最近の活動についてなど、メールインタビューを行いました。

———レヒシュタイナーさんはオルガンのオリジナル作品だけでなく、自らオーケストラ作品をオルガン版に編曲したり、ロック音楽を演奏したり、コンテンポラリーダンスと共演したりと多彩な活動をされていますね。従来のオルガニストの域を超えた様々な活動の中で感じる、オルガンの魅力を教えてください。

私は、オルガンがとても多彩であると同時に、楽器ごとにまったく異なる個性を持っているところが魅力だと感じています。どのオルガンも独自の音の世界を持つため、演奏のたびに、その楽器を一から理解し、音楽を形づくっていくことが求められます。時には、最初に弾いたとき好きになれないオルガンもあります。しかしそれでも、本番に向けてその楽器と向き合い続け、音楽をつくり込んでいく必要があるのです。たいていの場合、そのオルガンの良さが後から見えてきて、たとえ最高の楽器でなくても、結果的に良い演奏をお届けできることが多いです。

―――今回のコンサートでは、オルガンのオリジナル作品であるフランクの《交響的大曲》のほか、自らの編曲でシューベルトの弦楽四重奏《死と乙女》より第2楽章、そしてベルリオーズの管弦楽作品《幻想交響曲》を演奏していただきます。このプログラムのテーマ、そして選曲理由を教えてください。

今回のプログラムは、フランスの交響的伝統に敬意を込めてつくったものです。

私はベルリオーズの《幻想交響曲》をオルガン用に編曲しましたが、それはこの作品がフランス・ロマン派を象徴する作品だと考えたからです。

京都でのリサイタルでは、この作品と鏡のように呼応するフランクの《交響的大曲》を加えることにしました。というのも、この曲が純粋なオルガン作品でありながら、まるでオーケストラ作品であるかのように書かれているからです。フランクは、可能な限りオーケストラを模倣しています。音を響かせている途中で新しい音色を加えるという、当時としては新しい手法を用い、まるで管楽器セクションが途中から演奏に加わるような効果を生み出しています。

シューベルトの作品（「死と乙女」より第2楽章）は、フランク作品とうまく響き合います。オルガンで演奏することにより、この曲をよりオルガン的・オーケストラ的な観点から聴いていただくことができます。

―――レヒシュタイナーさんが編曲されたオルガン版の《幻想交響曲》は、日本では2021年にミューザ川崎のコンサートで取り上げられ、話題になりました。オーケストラの大作をオルガン1台で演奏するなんて、誰も想像しなかったと思います。どうしてこの作品を編曲しようと思われたのでしょうか。また、オルガン編曲版ならではの魅力を教えてください。

このアイデアは、トゥールーズのノートルダム・ド・ラ・ダルバード教会の1888年製ピュジェ・オルガンを、修復直後に初めて聴いたときに生まれました。そのオルガンが持つ、まるでオーケストラのように多彩な響きを生み出せる能力に強く刺激を受け、私はその魅力を記録に残そうと初めてのレコーディングを行いました。そのレコーディングで私は、フランスの交響的伝統を描き出したいと思ったのです。

どのような編曲作品であっても、原曲が持つ音楽的な要素をいくつか失います。しかし同時に、編曲を通して音楽が簡略化されることにより、作品の別の側面が明らかになることもあります。

オルガニストとして《幻想交響曲》を演奏していると、ベルリオーズの旋律と和声の素晴らしさのおかげで、毎回まるで驚きに満ちた音楽の旅をしているかのように感じます。これは、ものすごい持久力が要求される挑戦です。最後には、自分の手と足からまるでフルオーケストラを生み出したように感じられて、ちょっとした誇りさえ覚えます。

―――オーケストラの作品をオルガンで演奏するには、より多彩な音色が求められますね。レヒシュタイナーさんはレジストレーション（音作り）へのこだわりはありますか。どのようなことを考えながら、音色を作っていくのでしょうか。

私が編曲をする時、特定のオルガンのスタイルを念頭に置いておこないます。ベルリオーズの場合、19世紀後半のフランス製のオルガンが私の基準としてありました。

実際に演奏するオルガンはそれぞれ音色が異なり、私が基準としたオルガンに近いものもあれば、そうではないものもあります。作品のスタイルに合う範囲で、そのオルガンの音色をどれだけ幅広く引き出せるかが重要です。

京都コンサートホールのオルガンのストップの中には、公演当日使われないものもあるかもしれません。フランスのシンフォニックな響きとは合わない音色のものもあるからです。しかしながら同時に、思いがけない音色の組み合わせが見つかり、それが驚くほど興味深い響きを生むこともあります。それこそが「生のコンサート」ならではの魅力です。つまり、その楽器を深く理解し、その可能性を最大限に引き出そうとすることがコンサートの醍醐味なのです。

——最近はどのような活動を行われていますか。今取り組んでいる作品や興味のあるもの、今後挑戦してみたいことなどを教えてください。

演奏家として、私はいつも「聴衆に新しい音楽体験を届けること」に関心があります。その考えに基づき、2025年7月にハンブルクで「Hymn to Remembrance（追憶への讃歌）」というプログラムを創作しました。これは、異なるスタイルの非常に対照的な作品を、即興でつないだり、唐突に切り替えたりしながら60分間ノンストップで演奏するというものです。

一見すると、選んだ作曲家や作品の組み合わせは奇妙に見えるかもしれません（バッハ、ピアソラ、メシアン、キース・ジャレット、ドリーム・シアター）。しかし、このプログラムには一つの明確なコンセプトがあり、それぞれの作品が生み出す感情が物語のようにつながるよう、流れを考えて配置しています。会場の反応はとても温かく、演奏者と聴衆のあいだに豊かな感情が生まれ、特別な体験となりました。

自宅では、私が自ら設計した移動式オルガン「 Explorateur^※」の音楽的な可能性を探っています。この楽器は、各パイプの風圧を個別にコントロールできる仕組みを持っており、これまで経験したことのないほど多彩な表現を生み出してくれます。この楽器を使ってどんな新しい音楽をつくることができるのか、どんなプロジェクトに取り組めるのか、もっと時間をかけて探っていく必要があると感じています。自分のオルガンを携えて旅をし、そのたび新しい場所に自分で楽器を設置して演奏するという経験は、私にとって非常に新鮮で、そして非常にチャレンジングなものです。

※トニー・デカップによって製作された移動可能なモジュール式オルガン。レヒシュタイナー氏も考案に関わった。

―――最後に、京都のお客様へメッセージをお願いいたします。

京都に伺い、コンサートホールとそのオルガンを楽しみ、私の演奏を聴きに来てくださる皆さまと一緒にひとときを過ごせることを、とても楽しみにしています。どのコンサートも一期一会で、混乱や暴力、不安が渦巻く世界の中で出会える、特別な時間です。私は自分のささやかな才能を使って、聴衆の方々の心を満たし、音楽で心を養っていただけるような感動をお届けしたいと思っています。

―――ありがとうございました。京都でレヒシュタイナーさんの演奏をお聴きできることがますます楽しみになりました！

（2025年12月 メールインタビューにて　京都コンサートホール事業企画課）

♪ 2月28日（土）開催「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズVol.77　世界のオルガニスト“イヴ・レヒシュタイナー”」の詳細はこちら！

京都コンサートホールが誇る国内最大級のパイプオルガンをお楽しみいただける人気シリーズ「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズ」。11月1日に開催するVol.76にご出演いただく松居直美さんのインタビュー後編をお届けします。

▶前編はこちら

――前編では、オルガンとの出会いや留学時代のお話をお伺いしました。留学から戻ってきてオルガニストとしての道を歩まれ始めましたが、当時の日本では松居さんがオルガニストの先駆け的な存在だったのでしょうか？

先に述べたように、私が留学から帰ってくるまでは、ホールにあるような大きなオルガンはNHKホールにしかありませんでした。もちろん私よりももっと前にオルガンを勉強している先輩はたくさんいらっしゃいますが、活動の場がなく、ホールにオルガンもありませんでしたので、自分が卒業した学校の先生になったり、教会でオルガンを弾いたり、あるいは留学先で教会音楽家の資格をとってそのまま海外で活動をしたりしていましたね。残念ながら当時の日本は、オルガンやオルガニストが広く知られる環境ではありませんでした。

――当時に比べ、今は全国のいくつものホールに大きなオルガンがあり、オルガンのコンサートが各地で開催されていますね。楽器としてのオルガン認知度・人気も築いていると思います。

それは各ホールの努力の賜物だと思います。ただオルガンのコンサートをするだけでなく、オルガンの仕組みをお話ししながらのレクチャー・コンサートであったり、オルガンスクールのような啓発的な意義のある取り組みもされていますよね。今、30代で頭角を現しているオルガニストというのは、コンサートホールでオルガンコンサートを聴いてオルガンを始めた方、そしてホールが行っているオルガンスクールの出身者が多いのです。その背景には、ホールの皆さんの努力があります。

――今やオルガン、そしてオルガニストは日本のクラシック音楽界にはなくてはならない存在です。これからのオルガン界に思い描く未来を教えてください。

もう少しオルガンで仕事ができるようになればいいと思いますね。私たちやその下の世代もそうなのですが、今の時代に音楽大学でオルガンを勉強したら “こんなことができる” “こんな人になれる” といった確たるものを示しきれていないように感じています。ホールオルガニストがいるホールはまだ片手くらいしかありませんし、 “オルガンを勉強したってどうにもならない” と思っている若い人は結構いるのです。ですので、オルガニストが生きていける道・活動できる場所というものがもう少しないのだろうかとは思ってはいます。何がきっかけになるかわかりませんので、身近なことでできることをやっていくしかないと思うのですが、どうしたらよいのか、まだ私には見えていません。

また、いま日本には1,000台以上のオルガンがありますが、これを維持管理していく人、そして弾いていく人が減ってしまうことも悩ましいことです。維持管理する職人も第一世代が高齢化していますので、次の世代が引き継いでくれたらと願います。

――松居さんのオルガンへの想いをお聞かせいただきありがとうございます。京都コンサートホールにもとても立派なオルガンがありますので、大切にしていきたいと思います。ところで、松居さんは京都コンサートホールのオルガンに対して、どのような印象をお持ちでしょうか？

過去に2回ほど演奏したことがありますが、まず最初に見たときは、 “面白いな” と思いました。左右非対称に作ってありますので、見た目だけでなく、音の聴こえ方も面白くなるのです。左右対称のオルガンはどのように音が聴こえてくるのか大体決まっていますが、非対称の場合は変わってきます。また、ドイツ系とフランス系の音色が同居していますので、音の組み合わせの種類がとても多くなります。ドイツ系とフランス系それぞれの音色を使ってもよいですし、両方の音を混ぜて使うこともできます。

――今回のコンサートのタイトルは「J.S.バッハに至る道」です。スウェーリンクから始まり、北ドイツ・オルガン楽派のオルガニストたち、そしてJ.S.バッハと、バロック時代のオルガニストの系譜をたどるようなプログラムです。このプログラムの意図、そして聴きどころを教えてください。

北ドイツ・オルガン楽派からJ.S.バッハまでの時代は名曲が多く、繰り返し何度も弾いてみたいと思わせられます。スウェーリンクの《半音階的ファンタジア》は彼の代表作といえるような作品です。続くシャイデマンはスウェーリンクの弟子です。今回演奏する《アレルヤ、我らの神をほめたたえよ～H.L.ハスラーのモテットによる～》は、多声のための古い合唱曲であるモテットを鍵盤用に移したものですが、単に鍵盤用に書き移しただけでなく、いろいろな変化をつけた曲で、そこが面白いと思っています。ヴェックマンはハンブルクのヤコブ教会のオルガニストでした。ヤコブ教会のオルガンはとても巨大なのですが、《第1旋法によるプレアムブルム》はその巨大な楽器からこんな曲が生まれたのだと思わされる、私の好きな作品です。ブクステフーデは、言わずと知れた名曲ばかりですね。そして後半にはJ.S.バッハの作品を並べました。

今回のプログラムはJ.S.バッハに至るまでの作曲家を並べてはいますが、 “こことここが似ているね” など難しく捉えていただかなくてよいと思っています。それぞれが個性的で美しい曲ですので、1曲1曲楽しんで聴いていただければよいと思います。

――プログラムの後半には、偉大なるJ.S.バッハの作品が並びました。バッハの偉大さ・素晴らしさはどのようなところに感じますか。

J.S.バッハも初期から後期と作風は変化していて、若い時の作品は確かに若さを感じはしますが、作曲技法的に巧いなと思います。あまりに巧みであるし、あれだけのオルガン作品があっても曲の終わり方が全く同じ曲はないのです。たくさんの引き出しを持った人といいますか、バッハに至るまでの数々の音楽が吸収されていて、それがバッハの中で統合されて曲となって出てきていると思うのですが、1曲ずつの曲のキャラクターの違いの面白さもありますし、バッハ以上にどの作品を弾いても興味が持て、その興味が尽きることがない作曲家はいないように感じます。しばらく時間をおいて改めて演奏してみるとまた違った発見がいつもある作曲家は、バッハの他にはあまりいないような気がします。ですので、バッハの作品を理解したと思っているわけではありませんし、近づくほどに峰が高く見えるような、そんな存在です。

――やはり、オルガニストにとってバッハは特別なのでしょうか？

特別ですね。簡単な曲は習い始めて割と早くに弾かせてもらいますが、それでも改めて弾くとなると全く違う曲のような気持ちで取り組まないといけないような、終わりがないような感じです。オルガンだから感じられること・得られることがバッハの作品の場合はたくさんあると思います。バッハの作品を演奏するときは、オルガニストでよかったなと思う瞬間です。

――最後にお客さまへメッセージをお願いいたします！

今回のプログラムは、最初は割と素朴な感じのような、いま私たちが慣れ親しんでいる近代和声とは違う世界の作品から入っていきますが、どの作品も美しい曲ですので、あまり難しく考えずに楽しんで聴いていただけたら嬉しく思います。

――ありがとうございました！11月1日、京都コンサートホールのオルガンで松居さんの演奏をお聴きできることを楽しみにしています。

（2025年7月 東京にて 京都コンサートホール事業企画課インタビュー）

♪11月1日（土）開催「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズVol.76　松居直美 presents “J.S.バッハに至る道”」の詳細はこちら！

京都コンサートホールが誇る国内最大級のパイプオルガンをお楽しみいただける人気シリーズ「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズ」。11月1日に開催するVol.76にご出演いただくのは、本シリーズ初登場となる日本オルガン界の第一人者 松居直美さんです。

7月中旬、教会での演奏を終えた松居さんにお話を伺いました。

――素敵な演奏をお聴かせいただきありがとうございました！11月のコンサートがますます楽しみになりました。今日は松居さんとオルガンのお話をたくさん聞かせてください。早速ですが、松居さんとオルガンとの出会いはいつですか？

私の両親はクリスチャンでしたので、幼いころから毎週日曜日は教会に通っていました。私が中学生の頃、当時通っていた教会にパイプオルガンが導入され、その時にオルガンの音色を聴いたのが出会いです。当時はピアノも習っていましたし、通っていた学校もミッション系でしたので、教会音楽は非常に身近でしたが、導入されたオルガンの披露演奏会を聴いたときに今までに聴いたことのないような音が聴こえてきたのです。オルガンは教会の2階に設置されたため、上から音が降ってくるような、そんな感覚でした。いま見ればごく一般的な楽器ですが、中学生だった私は「オルガンを弾いてみたい！」と思ったのです。

――そこからオルガンを演奏されるようになったのですか？

そうですね。教会では子どもが興味を持てばオルガンを弾かせてくれましたし、そのうち伴奏をさせてもらったり、慣れてきたら礼拝の奏楽も弾かせてもらえました。そういう点では、恵まれていたと思います。

――当時はオルガンを教えてくださる方がいたのですか？

当時は教会内にキリスト教音楽学校（現キリスト教音楽学院）があり、そこに通いオルガンを習いました。教えてくださったのは日本人の先生です。

――国立音楽大学への進学は、どのように決められたのですか？

ミッション系の一貫校に通っていたのですが、オルガンが好きで、もっとたくさんの作品を演奏してみたいと思い、音大に進学しました。周りのオルガン科の学生は牧師の娘さんや、日頃から教会に通ってオルガンを弾いているような方ばかりでした。

――大学卒業後はオルガニストになりたいと思っていましたか？

オルガニストになるというビジョンは全くなかったですね。実は一度、オルガンを辞めようと思ったことがありました。大学院を卒業してから1年くらいの時期です。オルガン科を卒業しても “何かになれる” というモデルがあったわけではありませんし、可能性も考えられませんでした。私が学生の頃はオルガンのあるコンサートホールはなかったので、ホールオルガニストという職もありませんでした。しかし、その頃たまたま誘われて行った国際基督教大学でのコンサートを聴いて、 “もう一度オルガンを演奏したい” と思ったのです。そのコンサートで演奏していたのは、東ドイツのトーマス教会のオルガニストだったハンネス・ケストナーでした。

※ハンネス・ケストナー
J.S.バッハも音楽監督を務めていた、ライプツィヒの聖トーマス教会のオルガニストであった人物。

――その演奏会を聴いて、ドイツ留学を決められたのですか？

はい。ただ迷いはありましたね。20代半ばというのはその後の人生を大きく左右する、とても大切な時期です。そのような時期にドイツに行って何年も時間を費やしてよいのかと悩みました。

ドイツの大学院では、ジグモンド・サトマリー先生のもとで3年半ほどオルガンを学びました。サトマリー先生は演奏の解釈にしても、音色の作り方にしても、私の視野をとても広げてくれた方です。古典作品だけでなく現代音楽にも取り組まれており、たくさんの方に作品を委嘱していました。現代音楽では楽譜が完成されていない（演奏しながら作り上げていく）こともありますが、その点においては不完全な楽譜から最大限のものを引き出すことができる素晴らしい方です。

※ジグモンド・サトマリー
1939年ハンガリー生まれのオルガン奏者。1970年にハンブルクのルター教会の音楽監督・オルガン奏者に就任。1978年よりフライヴルク音楽大学の教授を務める。京都コンサートホールでは1999年11月7日にリサイタルを開催している。

――ちなみに、オルガンはどのように学んでいくのでしょうか？同じ鍵盤楽器でもピアノとオルガンでは楽譜も奏法も違いますし、オルガンは音作りも自身でしなければいけない楽器ですよね。

音色に関して言えば、最初は先生が作ってくださいます。そのうち基本的な音の作り方を習いますが、オルガンひとつひとつ全く違いますので、基本的な考え方をそのまま当てはめてもどうしようもありません。留学した初めの頃は、初めて弾くオルガンの場合は先生が音色を作ってくださって、それを覚え、 “この組み合わせだとこういう音になるんだな” という経験を積み重ねていきました。楽譜や本に書いてあるものを読むだけではどうしようもありません。今でもほかのオルガニストが作った音の組み合わせを聴いて、 “こういうこともできるのだ” と思うときもありますし、これからも無限にあると思っています。奏法に関しては、まずは弾き方を習い、そして曲の解釈や演奏技術、様式などを習っていくという感じでした。

――ドイツ留学のあと、オランダにも留学されていましたよね？

ドイツ留学から戻ってきてしばらくしてから、オランダへ留学しました。オランダへは文化庁の海外特別派遣生としていきましたので期間は短かったのですが、主人がオランダに駐在していたため、日本とオランダを行き来するような生活を送りながら、オランダでも演奏活動をしていました。

――ドイツとオランダでオルガンを学ばれましたが、日本と海外ではオルガンを学ぶ環境は違いましたか？

当時、NHKホール以外に大きなオルガンはありませんでした。NHKホールは日常的に通えるような場所ではありませんし、サントリーホールができたのも私が留学から帰ってきて半年くらい後のことです。ですので、それまで私が日本で弾いてきたオルガンは小さな楽器でした。今のようにインターネットもなければYouTubeで見たり聴いたりすることもできない時代で、レコードを聴いたり本を読むくらいしか情報を得る方法はありませんでした。それが留学先ではいきなり大きくて響きのある楽器、そして石造りの教会で弾くのですから、違う楽器に出会ったような感じでしたね。

――オルガンが好きでオルガンを学ばれてきたなかで、オルガニストになろうと決心されたのはいつ頃ですか？

オルガニストになろうと思ったのは留学から帰ってきた後ですね。留学した時はオルガンが好きでオルガンが生まれた場所に行ってみたいという思いで行きましたので、海外の大学の卒業資格を取って何かになる・何かの職に就く、ということは考えられませんでした。

私が留学から帰ってきたときはちょうどバブルの時期でした。輝かしいものへの興味としてコンサートホールでオルガンを聴いてみたいという人がたくさんいるような状況で、演奏の機会もたくさんいただきました。ただ、日本はキリスト教国ではありませんし、教会も国教会のように国や人のサポートがあって存在しているわけではありませんので、日本でオルガンが楽器として人々にどのように定着していけるのかは分かりませんでした。そもそも、それまで日本のコンサートホールにはオルガンもなかったのですからね。演奏曲も今回（11/1）の公演のようなプログラムを出しても敬遠されてしまうというか、宗教的なタイトルが付いてしまうと、引かれる感じはあったように思います。ただ、ヨーロッパのような教会の縄張り争いはありませんでしたので、公共的な存在としてオルガンには別の道があるのではないかとも思っていました。

――貴重なお話をたくさんお聞かせいただきありがとうございます。インタビュー後半では、この続きや日本のオルガンにまつわるお話、そして今回のプログラムについてお話を伺いました。後編もお楽しみに！

（2025年7月 東京にて 京都コンサートホール事業企画課インタビュー）

♪11月1日（土）開催「オムロン パイプオルガン コンサートシリーズVol.76　松居直美 presents “J.S.バッハに至る道”」の詳細はこちら！

20世紀を代表するフランスの偉大な音楽家 ピエール・ブーレーズの真髄に迫る、京都コンサートホールのオリジナル企画「ブーレーズへのオマージュ」。コンサートの翌日11月9日（日）には、ブーレーズの作品や思想への理解をさらに深めていただくため、京都市立芸術大学 堀場信吉記念ホールにてスペシャルイベント「ピアニスト永野英樹による公開マスタークラス」を開催します。

コンサート、そしてマスタークラスをより楽しんでいただくため、マスタークラスで永野氏と対談を行う、京都市立芸術大学音楽学部音楽研究科作曲専攻教授 酒井健治氏にブーレーズにまつわるお話を伺いました。

―――京都コンサートホールでは、今年生誕100年を迎えた音楽家 ピエール・ブーレーズに焦点を当てたコンサートを開催します。酒井さんがブーレーズの作品に初めて触れたのはいつですか？

ブーレーズの存在自体は以前から知っていましたが、きちんと楽譜を見て作品を聴いたのは大学3年生の時です。当時、京都市立芸術大学で作曲を教えていた前田守一先生の研修室で、楽譜を見ながら音楽を聴くといった内容のゼミがあり、その中にブーレーズの作品がありました。

―――その時のブーレーズに対する印象はどのようなものでしたか？

『どうやってこの作品を書いたのだろう？』とまず思いましたね。それまではメロディーをどのように作るか、和声をどう付けるかなど、いわゆるクラシックの作曲技法を学ぶのがほとんどでした。現代音楽の語法なんて全く詳しくなかった頃に聴いたので、 “どのようにこの音楽を作ったのか”  “なぜこれが作曲家にとって良い表現なのか”  “どういう美学・感性をもってこの作品を書いたのか” 、そういったことを考えるきっかけになったのがブーレーズでした。

―――その後もブーレーズの作品を聴く機会はありましたか？

作品を聴くことはもちろん、私自身の作風にも大きな影響を与えてくれました。特にブーレーズのオーケストラ曲のグロッケンシュピールなどのきらびやかな音響、金属の打楽器を豊富に使って余韻を作るような作風には、とても影響を受けました。

―――酒井さんは京都市立芸術大学そしてパリ国立高等音楽院を卒業された後、ブーレーズが設立したIRCAM（フランス国立音楽音響研究所）で学ばれていますが、実際にブーレーズにお会いしたことはありますか？

ブーレーズに初めて会ったのはIRCAMでした。確か2009年です。私は2007年から2009年まで研究員として2年間、IRCAMに滞在していました。当時、修了作品を制作するため施設によく寝泊まりしていたのです。確か夜の22時頃だったと思うのですが、カフェで休憩しようと飲み物を取りにエレベーターを降りたら、ブーレーズが目の前にいたのです。僕は『え？』となりましたし、ブーレーズも『え？』となっていましたね（笑）。不思議な出会い方でした。その後、私の修了作品がポンピドゥー・センターでアンサンブル・アンテルコンタンポランの演奏により初演されることになったのですが、その時にもブーレーズは聴きに来ていました。作品を聴いていただいた後に直接お話ししたのですが、ものすごく緊張していて何をしゃべったかは覚えていません。でも『よかったよ』とは言ってもらえましたね。当時、ブーレーズはかなり高齢でしたので、一緒に活動をすることはなかったのですが、ブーレーズの存在感、そしてオーラのようなものを強く感じました。

―――ちなみに、酒井さんも学ばれたIRCAMはどのような施設ですか？

総合文化施設であるポンピドゥー・センターの一部門で、電子音響の研修所です。ブーレーズが設立し、初代所長も務めています。ちょうど私が入所した年に、研究員の履修システムが1年制から2年制に変わりました。1年目に15名ほどが入所し、半年間にわたって電子音響を学び非公開で作品発表を行います。そして2年目に進むときに審査が行われ、15名から6名にメンバーが絞られます。2年目は丸々1年かけてソフトウェアをさらに深く学びます。

―――どちらかというと学びの環境・要素が強いのですね。

研究員との肩書ではありますが、実際は音響音楽に必要な知識を学ぶための施設ですね。朝の10時から夕方の5時まで毎日パソコンに向かい勉強していました。しかもそれで終わりではありません。勉強のスピードがかなり速く、そして内容も濃いため、5時まで勉強した後は1日の復習をずっとしていました。作曲活動をする時間もあまりなく、ただひたすら1年間勉強し続けるといった感じでした。

―――お話を聴いているとIRCAMはほんの一握りの人しか入れないような、かなりの狭き門ですね。若い作曲家にとっては、登竜門のような場所なのでしょうか？

若い作曲家にとって、IRCAMは自己表現を進化させる場所であると同時に、キャリア形成の場所でもあると思います。パリ国立高等音楽院で学び、IRCAMに入って、そしてローマ賞を取るというのが、フランスにおける作曲家のひとつのステップにもなっています。フランスで活躍している作曲家の多くがこの道をたどっていますね。

―――現代音楽におけるIRCAMの重要性、そしてブーレーズの功績がとてもよくわかりました。さて、酒井さんは指揮者としてのブーレーズにはどのような印象をお持ちですか？

パリに住んでいるときにブーレーズが指揮する姿を見たことがあります。作曲家としてのブーレーズと直接的な繋がりがあるかはわかりませんが、ブーレーズのリハーサルは極めて合理的なのですよね。楽譜を通してブーレーズの人柄を知ることは難しいと思うのですが、指揮者としてのブーレーズはきわめて厳格な音楽づくりをしていました。ただそれと同時に、ユーモアを忘れないという一面もあって、そういった場面に出会ったときに、『ああ、やっぱりブーレーズも人間なんだな』って思いました。僕が楽譜を通して知るブーレーズ以上に、指揮者ブーレーズは人間的だなと思います。楽譜からも論理だけでは片づけられない作曲家の顔みたいなものは見えるのですが、実際に指揮をしている姿を見ると結構インパクトがありました。

―――さて、今回の企画「ブーレーズへのオマージュ」では、関連イベントとして11月9日（日）にピアニスト 永野英樹さんのマスタークラスを開催します。マスタークラスでは、永野さんと酒井さんとの対談も予定していますが、永野さんとはご面識はありますか？

お会いしたことは数えるくらいしかありません。私の作品をアンサンブル・アンテルコンタンポランで取り上げていただいた時も、別の専属ピアニストの方が演奏されていたので、まだお仕事をご一緒したことがないのです。でも実は一度、フランスの空港でばったりお会いしたことがあり、その時は長い間話し込んだ記憶がありますね。お仕事でご一緒するのは今回のマスタークラスが初めてになりますので、今から楽しみにしています。
マスタークラスの受講者・聴講者は大学時代の自分と同じように、 “楽譜上のブーレーズは知っているけれども、人間としてのブーレーズは知らない” という方がかなり多いのではないかと思います。そういった方たちに、ブーレーズの素顔が垣間見られるようなエピソードを永野さんからお聞きしたいなと思っています。

―――たくさんの興味深いお話をお聞かせいただきありがとうございました。作曲家としてブーレーズの影響力、偉大さを改めて感じました。マスタークラスでの対談も楽しみにしています！

（2025年8月 京都にて 事業企画課インタビュー）

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